графический пейзаж что такое
Графический пейзаж
Аистиное гнездо. Рисунок гелевой ручкой по оберточной бумаге. Воспроизведено с фотографии.
Созданию будущей картины в красках на холсте также обязательно предшествует сбор натурного материала, в большом количестве создаются черно-белые пейзажи в виде многочисленных зарисовок. Эти зарисовки и этюды необходимы вовсе не для того, чтобы выстроить их потом в ряд на спинке дивана и срисовывать с них большую серьезную композицию. Графические зарисовки важны для понимания окружающего мира, его закономерностей, понимания физических основ распределения света и тенеобразования.
На первый взгляд кажется, что деревья в лесу растут в нерегулярном, хаотическом порядке. Однако это не так, и даже в рисунке упавших стволов деревьев присутствует своя закономерность. Смысл работы над этюдами и графическими зарисовками в том и состоит, чтобы эти закономерности раскрыть.
Научной ценности такие знания не имеют, зато для понимания естественной красоты природных форм важны неоспоримо. Без этих натурных знаний невозможно ни одно живописное полотно.
Пейзаж способен выдумать любой, даже ребенок, умея «придумывать» деревья и располагать их в произвольным образом на картинной плоскости холста. Но пейзаж так и будет выглядеть придуманным.
На этой странице представлена небольшая галерея авторских рисунков, каждый из которых представляет собой авторский черно-белый пейзаж.
Яблоня. Тушь, перо. Рисунок с натуры, вид из огорода заброшенного участка деревни Лутовиновка.
Деревья. Акварель «по мокрому». Живопись в технике гризайль выполнена черной акварелью по мокрой бумаге. Техника проста в повторении: по очень мокрой бумаге пишем большие массы, а по мере подсыхания добавляем деталей.
Болото. Графика тушью, пером и белилами по оберточной бумаге розоватого оттенка. Рисунок выполнен в технике графики пером и тушью с применением белил для достижения художественной выразительности и увеличения динамики тона.
Уголок заброшенной деревни. Тушь, перо. Графический рисунок пером и тушью, изображающий уголок заброшенной деревни. Покосившиеся редкие заборы, заброшенные деревянные домики с почерневшими от влаги бревнами. Посреди пустынной деревеньки два столба линии электропередачи без намека на провода.
ГРАФИЧЕСКИЙ ПЕЙЗАЖ ХХ ВЕКА
На основе различных признаков искусства можно распределить по различным группам и видам. Во-первых, графика относится к пространственным (пластическим) искусствам, то есть графическое художественное произведение имеет конкретный материальный носитель и не нуждается во временной компоненте как временные искусства, которые развиваются во времени (музыка, художественное слово).
Во-вторых, графика относится к изобразительным искусствам, то есть она отражает действительность в наглядных, зрительно воспринимаемых образах. Художник получает возможность эстетически раскрывать временное развитие событий, духовный облик, переживания, мысли, взаимоотношения людей, воплощать общественные идеи.
До конца XIX в. понятия графики, рисунка (и тем более живописи) были жестко разделены. Под графикой понимали только печатные техники, под рисунком — работу «от руки». В начале XX века в России термин «графика» еще не существовал, и А. Н. Бенуа, выдающемуся художнику, в историко-теоретических работах для обозначения профессии художников книги, иллюстраторов, карикатуристов приходилось использовать определение «рисовальщик печати».
Фаворский подчеркивал, что не существует абсолютно плоскостного, монохромного, так же, как и абсолютно пространственного изображения. Живопись и графика различаются разной мерой пространственности, проистекающей от различного отношения художника к изобразительной поверхности. Графика несёт не конкретный, реальный образ вещи, а как бы уподобление, иносказание, превращение, в произведениях графики возникает колебание между реальным образом и знаком.
Выделяют три вида графики:
Рисунок с присущими ему конструктивно-изобразительными и художественно-выразительными возможностями, гибкостью и бесконечным многообразием приёмов и форм является одним из главных средств графики.
Серьезным шагом в развитии пейзажной графики следует считать голландских художников XVII века и в частности Рембрандта. Он освоил в совершенстве технику офорта, был одним из крупнейших мастеров кисти.
Графика – искусство, в основе которого лежат линия, пятно, контраст черного и белого. Это средства выразительности графики.
Художник выбирает графические средства в зависимости от поставленных перед ним задач, размера произведения, степени условности, степени детализации изображения, добиваясь основного качества рисунка — выразительности.
Мастера искусства всегда воспевали красоту жизни человека с гармонией с природой. Направленность пейзажного жанра была популярна во времена вне зависимости от моды. Художников в сельском пейзаже привлекает умиротворенность, своеобразная поэзия сельского быта, гармония с природой.
Удачные офорты получались у великого Рембрандта; во время прогулок в окрестностях Амстердама, им было сделано много зарисовок с композициями сельского типа. Рембрандт рисует небольшими тростниковыми палочками, небольшими кисточками и даже пальцами.
В XIX века изображения пейзажа полноценно участвуют в утверждении идеалов наравне с портретом и исторической композицией, в которых отображение жизни крестьян играет большую роль.
Картины с сельским пейзажем удивляют городских жителей простотой быта, подвижной радостью и непосредственностью: здесь играют дети, усердно работают, спокойно отдыхают в жаркий полдень… Персонажи сельских пейзажей, словно отвлекаясь от своих привычных дел, удивленно замечают художника, а иногда они просто не видят его в своей увлеченности.
Во время северной экспедиции И. Я. Билибин соприкоснулся с искусством древней Руси, он предпочитает полнейшую точность в изображении архитектуры и предметов народного творчества. Проникновенны пейзажные композиции – иллюстрации к былине « Вольга» (1902 – 1904 годов). Перед читателями открываются панорамы бескрайних северных просторов, одиноко стоящие монастыри, голубые ленты рек. Мастер соединяет натурные изображения со стилистикой русского лубка, создает свое видение пейзажа, в котором удачно сочетается « наивная грубость лубка с кружевной «бердслеевкой» законченностью деталей». И. Я. Билибин переносит в пейзаж приемы, которые развивались столетиями вне станковой и книжной графики. Его работы напоминают народную роспись или витраж по дереву с их декоративной остротой.
Творчество Е. Д. Поленовой, И. Я. Билибина лишь наиболее известная часть графики патриархальной деревни. Во второй половины XIX в., иллюстрация жизни российского села, разбуженная тенденциями русского общества, которая включает тысячи прекрасных произведений как революционной, так и послереволюционной графики. Когда в советское время народность стала одним из официальных направлений в развитии искусства, создавались книжные иллюстрации и станковые графические листы, вносившие в развития лирического пейзажа свои удивительные черты. Именно эти черты были связаны с развитием советской литературы и появлением группы писателей – « деревеньщиков». Примером послужит искусство А. А. Пластова, в котором графика сельской жизни занимала одно из важнейших мест. Мотивы деревенской местности мы так же встречаем в работах Д. А. Шмаринова, А. Ф. Пахомова и других выдающихся отечественных художников.
Достижения А. К. Саврасова подготовили появление такого явления как лирический интимный пейзаж, в котором эмоциональное состояние, порыв души, превышали над сюжетом. Родоначальниками именно такого пейзажа считаются И. И. Левитан и К. А. Коровин, друзья и ученики А.К. Саврасова, понимавшие ценность натурального изображения пейзажа. Случайные зарисовки или этюды вызывают у смотрящего слезы восхищения; цветовое состояние пейзажа И. И. Левитан и К. А. Коровин воспринимали с трепетным восторгом. Конечно, изображение срубов и заборов в окружении деревьев и кустарников не могут рассказать столько зрителю, сколько картины великого учителя, но в работах его учеников Левитана и Коровина много чувства и художественности.
Да, Россию не понять умом, но ее можно понять, рассматривая произведения Левитана. В его пейзажах всегда поражает простота мотива и исполнения, соединенные с высоким мастерством и безупречным вкусом. Поражает его умение отобрать и обобщить виденное. И никакого желания удивить, ошеломить, оглушить многоцветием. И то, что отличает большого художника, – умение так много сказать в мотиве, виденном всеми, показать новое, что ускользнуло от других.
В советское время русскими художниками был развит лирический интимный сельский пейзаж. Многие зарисовки перерастали в полноценные, композиционно – выверенные рисунки лирического плана. Графики, в отличии от живописцев, исполнили множество лирических сельских пейзажей в различных техниках: в офорте, в рисунке, гравюре по дереву, линогравюре и рисунке.
Советская школа книжной графики с великолепными композициям сельского пейзажа считались лучшими в мире. Художественная детская книга была совмещена с изображением жизни деревни. Насыщенные множеством пейзажей, книжные полосы и развороты, были выполнены лучшими советскими художниками-книжниками. Это относится как к ленинградской, так и к московской школе книжной графики. Воплощение в искусстве сельских лирических пейзажей существует и до сих пор, так как жизнь художников все чаще обращаться к изображениям, в них среда остается обычной, естественной.
Из мастеров второй половины ХХ в., имеющих много запоминающихся образных рисунком сельского пейзажа, следует отметить О. Г. Верейского, А. М. Лаптева, Н. А. Бородина, В. В Дранишникова, Н. Н. Короткова, А. В. Ганина, Г. Н. Соколова.
В их рисованных работах с одной стороны был виден большой опыт длительного развития композиции пейзажа, с другой стороны ощущается современное чувство действительности. Русская графика во второй половине ХХ века активно влияет на современное обучение.
Изучив искусствоведческую литературу по теме исследования, ознакомившись с техникой графического пейзажа, графического рисунка, проанализировав творчество художников, изображающих графические пейзажи, становится ясно, что каждый из них внес каплю таланта в зарождение, процветание и дальнейшее развития графики. Мы до сих пор используем некоторые из разработанных ими способов и приемов. Техника графического рисунка не стоит на месте, рождаются все новые и новые талантливые художники. Опыт художника – это та энергия, которая наполняет и питает содержанием общие представления о любых предметах. Пейзажные зарисовки начали появляться еще в древности, постепенно, по прошествии веков, пейзаж обретает свою значимость.
Особые признаки художественной выразительности в творчестве художников конца XIX начала XX в. встречаются в написании графических пейзажей. У каждого художника есть свой особый стиль. Проведя исследование о развитии рисунка пейзажа от зарождения до ХХ в. можно выявить, что графический пейзаж развивался в контексте с живописью. Написание пейзажных работ в определенной степени является публичным. На листе бумаги остаются лишь те ландшафты, которые сейчас не существуют. Дома у реки, скалы, зелень лугов, проселочная дорога давали толчок вдохновению художников всех времен и стран. Художник стремится передать то ощущение и впечатление, которое видит в пейзаже, и обыденный пейзаж зрители могут воспринимать глазами творца.
Литература
Алпатов М. Композиция в графике. (М., 1977 г.)
Березина А.О. Рисунок 2010г.
Бесчастнов Н.П. графика пейзажа. М.: «Владос», 2005 г.
Бесчастнов Н.П. Черно-белая графика: учебное пособие М.: 2002 г.
Генчук Ю.Я. Советская книжная графика. М., 1986 г.
Зайцев А.С. составитель «Советы мастеров», М.: Просвещение., 1979 г.
Сидоров А.А. Русская графика начала ХХ века. М., 1969 г.
Станкевич В.Н. «Пейзаж. Картина и действительность», М.: Просвещение., 1973 г.
Шорохова Е.В. «Композиция»- М.: Просвещение., 1986 г.
Изображение пространства. Графика. Пейзаж
Разделы: МХК и ИЗО
Человек начал изображать природу еще в далекие времена, элементы пейзажа можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древнего Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В средние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома, пейзажи нередко служили средством условных пространственных построений в иконах и больше всего в миниатюрах.
Рисунок – интереснейшая область художественного творчества. В рисунке возникает и оформляется авторский замысел, рождаются все виды изобразительного искусства.
Все разновидности технических приемов рисунка, дошедшие до нашего времени в основном сложились в эпоху Возрождения в Италии. Уже тогда в рисунке применялись свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также жидкие материалы — бистр, тушь, разноцветные чернила, акварель, белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов, тонированной и грунтованной. Хорошие материалы для рисунка кистью – черная и цветная тушь. Художники часто выбирали только серый или коричневый цвет, работая акварельными красками. Монохромные работы – гризайль широко применялась у старых мастеров. Все это привело к исключительному богатству художественных и технических приемов.
Как самостоятельный жанр пейзаж окончательно сформировался в ХVII в. Его создали голландские живописцы. Русский пейзажный рисунок начинает свою историю с XVIII столетия. Первым этапом в его развитии был пейзаж парковый, с его условно построенной перспективой, появление которого связано со многими новыми явлениями русской культуры второй половины ХVIII века – веяниями сентиментализма, размахом дворцово-паркового строительства. Художники прикомандировывались к научным географическим и топографическим экспедициям, акварелисты и графики сопровождали русскую армию во время военных походов.
В конце ХIХ – начале ХХ вв. графика определилась как самостоятельный вид искусства. Графика выходит на первый план и становится ведущим искусством. Высокая культура русского рисунка этого времени связана с именами целой плеяды талантливых мастеров.
Художественно-выразительные достоинства графики заключаются в ее лаконизме, емкости образов, концентрации и строгом отборе графических средств. Некоторая недосказанность, условное обозначение предмета, как бы намек на него, составляют особую ценность графического изображения, они рассчитаны на активную работу воображения зрителя.
Рисовальные техники обычно подразделяются на «сухие» и «мокрые». К «сухим» относятся различные карандаши, уголь, сангина, соус, мел, пастель; «мокрые» объединяют рисунок кистью в технике сепии, туши, мокрого соуса, акварели, гуаши. Особое место занимает перовой рисунок. В «сухих» техниках чаще всего преобладает линейный, штриховой рисунок, «мокрые» техники дают возможность работать пятном. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов, тонированной и грунтованной. Все это привело к исключительному богатству художественных и технических приемов. [2]
Все названные техники позволяют передать цветовое и световое богатство мира исключительно черным и белым и их многочисленными градациями или различными тональностями в пределах одного цвета (красноватой сангины или коричневой сепии). И только пастели и акварели (и разновидности акварели — гуаши) доступно цветовое решение. Акварельная техника стоит уже на границе между графикой и живописью. По многоцветности она близка живописи. Но по своим небольшим размерам, по сравнительной быстроте исполнения и по материалу, на котором художник работает (на бумаге), ее следует отнести к искусству рисовальному. [3]
Появившись в России в конце XVIII века, акварель в течение XIX века познала и совершенствовала свою собственную специфику, став одной из любимых техник. Характерные качества акварели — это прозрачность, необычайная чистота и интенсивность цвета. В чистой акварели белила обычно не употребляются, и их роль выполняет белая бумага, просвечивающая сквозь слой краски. В акварели существуют два основных метода работы. Первый — это многослойная акварель с моделирующим прокладочным тоном, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные лессировки, достигая определенной цветовой силы. Второй — близкий к живописному приему, при котором на бумагу сразу наносится цвет необходимой интенсивности. На практике оба эти приема иногда сочетаются и варьируются.
Богатый материал для изучения техники рисунка мировой и русской школ находится в крупнейших художественных музеях. [4]
Интеллектуальное богатство человека позволяет ему с одинаковым восторгом воспринимать величие техники наших дней и лирику русской природы, видеть новые черты в облике нашего современника, сложность и цельность его духовной жизни. Это нераздельное восприятие нашей действительности в ее многообразии великого и малого подвластно и доступно именно графике и, в частности, рисунку — искусству тонкому, умному, быстро и чутко откликающемуся на современность во всех ее проявлениях.
МЕТОДИЧЕСКАЯ ЧАСТЬ
Тема уроков. «Изображение пространства. Пейзаж в графике» (6-й класс, IV ч.). [1].
Задание-упражнение. Пейзаж с отражением в воде. Акварель.
Цель урока. Изучение средств художественной выразительности в графике, используемых для передачи понимания красоты природы (линия, штрих, пятно), линейная и воздушная перспективы, перспективные закономерности отражения в воде. Знакомство с ролью тона и цвета в изображении пространства.
1. Беседа
Произведения станковой графики – это самостоятельные, тщательно проработанные художественные произведения различных жанров: портрет, пейзаж, натюрморт, бытовой и др.
Пейзаж – жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение природы, вида местности, ландшафта. Пейзаж – традиционный жанр станковой графики.
В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, парковый, городской (в том числе городской архитектурный – ведута), индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии – марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический, эпический характер.
Например, пейзаж И.И. Левитана часто именуют « пейзажем настроения ». На его картинах воплощаются изменчивые настроения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обобщенно, без тщательной проработки деталей, трепетными штрихами и пятнами. Он проявляет себя как большой психолог природы и тонкий колорист. [3].
И.И. Шишкин – мастер изображения леса, стволов, листвы. В его рисунках – радость познания природы; они красивы игрой черного карандашного штриха, в них много воздуха и света.
А.К. Саврасов любит тональный рисунок, построенный на переходах от темного к светлому.
Рисунки Ф.А. Васильева, часто исполненные в красивом цвете сепии, полны чувства торжественной успокоенности природы. В альбомах художника много беглых набросков «для памяти», выполненных остро отточенным карандашом, где пейзаж намечен одним контуром.
И.Е. Репин – мастер объемно-пластического рисунка. В акварели его интересует не столько цвет, сколько форма. Его акварельный мазок всегда служит выявлению пластического объема. [4].
Пейзаж может быть фоном в графических произведениях других жанров. Художник, изображая природу, не только стремится точно воспроизвести выбранный пейзажный мотив, но и выражает свое отношение к природе, одухотворяет ее, создает художественный образ, обладающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью. Перед художниками всегда стояла очень трудная задача — изобразить на двухмерной плоскости рисунка или картины трехмерное пространство.
Пространственное построение пейзажа решается средствами линии и тона. С помощью линейной перспективы художники создают глубину пространства.
Формы окружающих нас предметов, растений и их величины зрительно изменяются в зависимости от положения в пространстве и расстояния от наблюдателя. Эти изменения форм и величин происходят по определенным законам, которые изложены в системе линейной перспективы.
Линейная перспектива — точная наука, которая учит изображать на плоскости предметы окружающей действительности так, чтобы создавалось впечатление такое, как в натуре. В переводе с латинского языка перспективаозначает ясно вижу. Однако при работе с натуры художники не делают точных расчетов, а больше полагаются на свой глазомер, то есть используют наблюдательную перспективу.
Поэтому предметы, находящиеся на земле, облака в небе уменьшаются по мере удаления, утрачивая детали. Расстояние между деревьями, холмами скрадывается, и удаленные друг от друга элементы пейзажа кажутся на большом расстоянии тесно стоящими.
Позиция, с которой мы смотрим на местность, называется точкой зрения. На плоской равнине небо и земля встречаются на горизонте.
Плоскость, горизонтальная, бесконечная, находящаяся на высоте глаз наблюдателя и видимая в виде прямой горизонтальной линии, называется в перспективе горизонтом.
Все предметы, находящиеся ниже этой плоскости, ниже горизонта, мы видим сверху; все предметы, находящиеся выше горизонта,— видим снизу. У всякой горизонтальной плоскости, находящейся ниже горизонта, мы видим верхнюю поверхность; у плоскости, находящейся выше горизонта, мы видим нижнюю поверхность.
Все горизонтальные линии, находящиеся ниже перспективного горизонта, то есть видимые сверху, при удалении как бы поднимаются и приближаются к нему, но никогда его не пересекают. Все линии, расположенные выше горизонта, удаляясь, кажутся опускающимися и приближающимися к нему. Они не пересекают его.
Если вы сядете на землю, то перспективный горизонт опустится вместе с вами, при подъеме в гору он поднимается. Понятно, что горизонт, находящийся всегда на высоте глаз, пересекает все предметы перед рисующим на той же высоте.
В натуре параллельные линии не пересекаются, как бы далеко они не уходили от нас: между ними остается пространство, кажущееся тем меньшим, чем дальше уходят от нас линии, и пересекающимися мы увидим их только тогда, когда они удалятся от нас на бесконечно большое расстояние.
По мере удаления смягчается и цвет, становясь более бледным и голубоватым. Воздушная среда, особенно если воздух наполнен дымкой или туманом, помогает передать в рисунке пространство, подчеркивает плановость в композиции. В творческой работе необходимо учитывать перспективные изменения воздушной среды, благодаря которым дальние планы кажутся светлее передних, контуры предметов расплываются, теряют четкость. Особенно это заметно в горах или на равнине, поросшей лесом. Это явление носит название воздушной перспективы.
Воздушная перспектива — кажущиеся изменения некоторых признаков предметов под воздействием воздушной среды и пространства, изменения цвета, очертаний и степени освещенности предметов, возникающие по мере удаления натуры от глаз наблюдателя.
Так, все ближние предметы воспринимаются четко со многими деталями и фактурой, а удаленные — обобщенно, без подробностей. Контуры ближних предметов выглядят резко, а удаленных — мягко. Все близкие предметы обладают контрастной светотенью и кажутся объемными, все дальние — слабо выраженной светотенью и кажутся плоскими. Из-за воздушной прослойки цвета всех удаленных предметов становятся менее насыщенными и приобретают цвет воздушной дымки — голубой, молочно-белый, фиолетовый. Все ближние предметы кажутся многоцветными, а удаленные — одноцветными. Художник должен учитывать все эти изменения для передачи пространства и состояния освещенности в своей картине. [2].
Свои перспективные закономерности имеют и отражения в воде. Как правило, длина отражения предмета в воде равна длине самого предмета. Отражение точно повторяет предмет, но в перевернутом виде.
Объемная форма предметов передается на рисунке не только построенными с учетом перспективных сокращений поверхностями, но и с помощью светотени.
Свет и тень (светотень) — очень важное средство изображения предметов действительности, их объема и положения в пространстве.
Светотенью так же, как и перспективой, художники пользуются очень давно. С помощью этого средства они научились передавать в рисунке форму, объем, фактуру предметов так убедительно, что они, казалось, оживали в произведениях. Свет помогает передать и окружающую среду.
Художники до настоящего времени используют правила передачи светотени, открытые в средние века, но работают над их совершенствованием и развитием.
Пейзаж включает в себя предметы с самой разной фактурой поверхности. Для его точного изображения приходится передавать все разнообразие таких элементов – шероховатость древесной коры, пушистость или перистость облаков, гладкую как зеркало воду в тихом пруду. Фактура пейзажа меняется в зависимости от времени года: мягкие, округлые кроны лиственных деревьев летом разительно отличаются от острых голых ветвей в зимнем лесу.
Абстрактное подобие фактуры можно создать для того, чтобы сообщить рисунку определенное настроение или создать определенную атмосферу. Четких правил передачи фактуры нет. Путь к успеху проходит через экспериментирование с техникой и материалами рисунка, через изучение и наблюдение природы, натуры. Можно использовать, наряду с линейной и штриховой разработками рисунка, специальные удары кистью и заливки тоном. Наибольшая выразительность достигается тогда, когда в рисунке возникает необходимый ритм штрихов.
2. Подготовка материалов
Приготовим краски. Потребуются голубая, синяя, фиолетовая (синяя и красная), зеленая, коричневая и черная краски.
Промоем кисточки и вытрем их тряпочкой. Приготовим палитру, стакан с водой.
Лист бумаги для акварели положим на пластиковый стол, не подкладывая бумагу или материал.
Губкой или кусочком пористого материала смачиваем лист бумаги. Если образуется лишняя вода, то необходимо промокнуть ее.
3. Просмотр презентации
Рассматривание иллюстраций известных художников. Приложение 1.
4. Выполнение упражнения
Начинаем выполнять рисунок. По мокрому листу кистью намечаем две диагонали. В центре листа на пересечении диагоналей проводим широкой кистью мазок фиолетовой краской (или сине-голубой).
Далее, двигаясь от центра, широкими мазками наносим краску вправо и влево, постепенно увеличивая высоту мазков. Мазки – вертикальные, линии широкие. Цвета соединяем на палитре, добиваясь нужного оттенка.
1ч. синяя + 1/2 ч. зеленая (или фиолетовая),
1ч. зеленая + 1/2 ч. синяя,
только зеленая,
1ч. зеленая + 1/2 ч. коричневая,
только коричневая.
Размещаем полосы рядом, как бы вливая цвет в цвет, и пока краски не высохли, размываем и соединяем их края кисточкой. Оба цвета вливаются один в другой. Получаются интересные переходы от одного цвета к другому, так как работаем по мокрому листу. Стараемся заполнить штрихами расстояние между диагоналями до боковых краев листа симметрично. Высоту мазков увеличиваем от центра к краям между диагоналями (вспоминаем линейную перспективу).
Затем чистой кистью (без краски) проводим линию горизонта и берега водоема. Верхнюю и нижнюю четверти листа заполняем горизонтальными штрихами, растягивая уже нанесенные вертикальные мазки. Заполняем все просветы, придавая воде и небу как бы прозрачность (вспоминаем воздушную перспективу).
5. Творческое дополнение
Можно дополнить рисунок точкой, пятном. Для этого черной краской тонкой кистью, на поверхности воды прорисуем четким контуром маленькую лодочку с рыбаком или мексиканца на пироге. Можно придумать свое дополнение, но не забудьте об отражении в воде.
6. Анализ работ
Количество учащихся, выполнивших всю работу без ошибок около 70%.
Ошибки, допущенные в выполнении задания:
а) не использовались правильные материалы;
б) размещение изображения неправильное, не весь лист заполнен рисунком;
в) работа красками велась неаккуратно;
г) неверно выбрано цветовое решение;
д) не выполнены дополнительные условия задания.
На следующем уроке, когда рисунки высохнут, можно сделать выставку и обсудить с ребятами их работы.